虽然说巴赫的无伴奏大提琴组曲具有开创性、影响后世演奏家与作曲家无数，但毕竟巴赫所处的巴洛克年代(17~18世纪)距今已相当遥远，这两、三百多年之间世界各地音乐风格演变下来，今日的音乐作品早已不是巴赫那些作品的样貌。
我们来介绍从巴赫创作无伴奏大提琴组曲之后，还有哪些代表性的、极具特色的无伴奏大提琴作品。请注意，无伴奏作品未必是「组曲(Suite)」，有可能也是「奏鸣曲(Sonata)」、「随想曲(Caprice)」，或是单一乐章作品、数个乐章的联篇作品。以下的介绍会针对作品的年代顺序，如此你也可以深切地感受到，随着时间演进，音乐的面貌是如何地改变。
Piatti：《12首随想曲》
(12 Caprices,Op.)，1865年
Piatti本身也是位大提琴演奏家、教育家。在小提琴家帕格尼尼发明了许多新的弦乐演奏技巧后，随后我们可以在Piatti的这套12首随想曲作品中看到帕格尼尼的影子，像是大量双音、抛弓、人工泛音等技巧。
Max Reger：《3首无伴奏大提琴组曲》
(Drei Suiten für Violoncello solo,Op.131c)，1914~1915年
这三首无伴奏大提琴组曲，虽然写在20世纪初，但这套仍受巴赫无伴奏大提琴组曲的影响，因此熟悉与喜爱巴赫无伴奏作品的朋友，几乎可以无缝接轨欣赏这套作品。和巴赫无伴奏组曲相同的是，每个组曲的开头仍然以前奏曲开始，而每个乐章安排虽然较灵活，但仍使用到赋格(Fuge)、嘉禾舞曲(Gavotte)和吉格舞曲(Gigue)等巴洛克组曲代表性的乐章；到了第三号，前奏曲之后则是诙谐曲(Scherzo)，接着以变奏的行板(Andante con variazioni)作为结束，因此结构上已经有古典后期到浪漫时期奏鸣曲的型态。
但别忘了，这是部二十世纪的作品，当然随着大提琴演奏技巧不断改良，Max Reger还是将拇指把位(较高音)的音域充分发展了开来，并写了更多复杂的双音；许多慢板的语法承接了浪漫时期弦乐作品的特色。
Zoltán Kodály：《无伴奏大提琴奏鸣曲》
(Sonata,Op.8)，1915年
高大宜(Kodály)是匈牙利着名作曲家、民谣採集者，同时也是着名的「高大宜音乐教学法」的创始者。他和同为匈牙利人的作曲家巴尔托克(Béla Bartók)为了採集、分析、研究匈牙利民间音乐素材不遗余力，并取得一定成就。
这首无伴奏大提琴作品，被认为是巴赫以来最重要的无伴奏大提琴作品。这套作品中，我们可以听到匈牙利五声音阶的特色，还有独特的飘泊沧桑感。高大宜本人更发下豪语：
在25年内没有演过我这套作品的大提琴家，将不被人们接受。
它蕴含着大提琴演奏史上最困难、最大量的演奏技巧，也因为许多片段有着两、三个声部，使用大量民间调式(非一般大小调)，也成为最复杂的作品之一。另外，最特别的是，演奏前需要将C、G两根弦各调低半音，成为B、升F。这称为「特殊调音法」，在巴赫的第五号无伴奏大提琴组曲中曾使用过。
这里分享的专辑，是歷史上最着名、最具有权威的版本：大提琴家史塔克(János Starker)的版本。史塔克曾直接与高大宜本人交流过关于这部作品的想法，两人也都是匈牙利人。高大宜本人也最推崇史塔克的演奏。
Paul Hindemith：《无伴奏大提琴奏鸣曲》
(Sonate für Violoncello solo,Op.25,No.3)，1923年
Paul Hindemith(保罗．亨德密特)是德国作曲家、小提琴与中提琴演奏家。他曾写下极具份量的四首无伴奏中提琴奏鸣曲，而大提琴无伴奏奏鸣曲仅此一首。他的无伴奏作品，最特别的就是让弦乐做出类似打击乐的演奏，并且让同一个乐句在不同的节奏转换下变得瞬息万变。而他的音乐，常常在不同调性之间转换。
Eugène Ysaÿe：《无伴奏大提琴奏鸣曲》
(Sonate für Violoncello solo,Op.28)，1923~1924年
Ysaÿe(易沙意)是十九世纪到二十世纪比利时的小提琴大师，不仅仅是精湛的演奏技巧，同时也写下了许多重量级的弦乐作品，例如六首无伴奏小提琴奏鸣曲。在写下这首无伴奏大提琴奏鸣曲时，易沙意将小提琴的大量连弓与双音技巧写了进来，更使用了他的独创技巧－五个音以上的和弦演奏！四根弦的弦乐器原本最多只能演奏四个音的和絃，但易沙意藉由快速切换指法与换弦，演奏出了五个甚至六个音的和絃。
Gaspar Cassadó：《无伴奏大提琴组曲》
(Suite per Violoncello)，1926年
Cassadó(卡萨多)和大师卡萨尔斯(Pablo Casals)皆为西班牙大提琴家。卡萨多自幼天赋异禀，9岁就获得卡萨尔斯的指定而接受指导。卡萨多同时也写下许多大提琴作品例如Requiebros(情话)、大提琴协奏曲；甚至，他将巴赫无伴奏组曲第四号改F大调(原为降E大调)。
卡萨多的这首无伴奏组曲，充满了西班牙风情：第一乐章用西班牙庄严的萨拉邦德舞曲(Zarabanda)写成了「前奏－幻想曲」；第二乐章为加泰隆尼亚的一种舞曲－萨丹那舞曲(Sardana)；第三乐章为「间奏曲与终板舞曲」(Intermezzo e Danza Finale)，使用的是加泰隆尼亚的Jota舞曲。
因此在聆听这套作品时，你会有一种「听到西班牙吉他」的错觉。这也是一套二十世纪非常经典的大提琴无伴奏作品。
George Crumb：《无伴奏大提琴奏鸣曲》
(Sonata for solo Violoncello)，1955年
Crumb(克隆)是美国二十世纪前卫派(Avant-garde)作曲家，不过这套无伴奏作品完成于他较年轻时期，因此还没有太过激烈前卫的语法。作品上，受到前述亨德密特(Paul Hindemith)的影响，善于使用不同拍号切换来创造出节奏律动的多样性；也受到匈牙利作曲家巴尔托克(Béla Bartók)的无伴奏小提琴作品影响，在第一乐章的连续双音可以听得出来。
第二乐章则是宁静的乡村风主题与变奏(Tema pastorale con variazioni)；第三乐章是触技曲(Toccata)，在广阔的慢板引入之后，随即而来的是急速、无休息，一口气到结束的连续乐段，将第一乐章的某些乐句重现。
黛敏郎：《文楽》
(Bunraku,for Violoncello Solo)，1960年
黛敏郎(まゆずみとしろ,Toshiro Mayuzumi)是日本战后重要作曲家之一，代表作品是涅槃交响曲、于1964年在东京奥运开幕式中电子音乐的制作。
「文楽」原是指日本在表演「人形浄瑠璃」(一种人偶表演艺术)时在旁演奏的乐曲。「三味线」是最重要的元素之一，因此可以在这首作品中听到大提琴演奏得像是三味线那般。除了使用大量日本音阶以外，富有情绪转折与戏剧化铺陈的段落也是聆听重点之一。除了大提琴拨弦模仿三味线以外，拉弓演奏又有些吹笛的色彩。
Benjamin Britten：《3首大提琴组曲》
(Three Suites for Cello,Op.72、80、87)，1964~1971年
英国作曲家Benjamin Britten(班杰明．布列顿)与大提琴大师罗斯托波维奇(Mstislav Rostropovich)有着很好的交情，因此这套作品是献给罗斯托波维奇的。这套作品仍然可以看出巴赫作品的影响，像是第一号组曲当中的赋格(Fuga)，仍然有巴赫管风琴的影子。
虽然这三首组曲都是由罗斯托波维奇首演，但他本人只留下了第一、二号的录音。
Sofia Gubaidulina：《10首前奏曲》
(10 Preludes for Violoncello Solo)，1974年
Sofia Gubaidulina(苏菲亚．古拜杜琳娜)是前苏联鞑靼共和国(现为鞑靼斯坦共和国)作曲家。在苏俄共产极权统治时，古拜杜琳娜将作曲兴趣放在民族音乐、神祕主义上，并在作品的时间上摆脱了节拍限制。
这套《10首前奏曲》，每个乐章只用「演奏方式」作为标题，例如「staccato-legato」(断奏－连奏)、「arco-pizzicato」(拉奏、拨奏)等等。有些片段，捨弃拍子计算，而改以约略秒数计算，或干脆不要计算任何时间。
Kaija Saariaho：《七只蝴蝶》
(Sept Papillons for solo cello)，2000年
芬兰当代女作曲家Saariaho的这套作品曾出现在我的这篇文章当中。Saariaho可以说是现今接受最多贊助与邀约的作曲家之一，她的作品体现出一种自然与哲学观。就这套大提琴作品来说，大提琴使用大量泛音制造出空灵的音色，再用靠近琴桥的爆裂音色以及靠近指板的模煳音色，来体现出蝴蝶各种瞬间姿态。而这套作品中，也有许多片段捨弃了死板的拍子计算，以约略秒数来取代时间的表达。
Kaija Saariaho从蝴蝶当中感受到了有关生、死、永恆的隐喻，并且将它们写近了这套作品当中。
Philip Glass：《歌与诗》
(Songs and Poems for solo cello)，2007年
在听完了前几首前卫、创新、令人感到迷惘的作品后，这首作于2007年的作品，反而有种返璞归真的感觉。Philip Glass(菲利浦．葛拉斯)是当代最雅俗共赏的作曲家，他以极简主义、极微主义风格为，将这个越来越复杂、喧闹的世界拉回到了单纯、沉思的宇宙。
其实Songs and Poems是葛拉斯在21世纪以来持续创作的一套作品，内容包含不同室内乐编制，像是小提琴与钢琴、两台钢琴、弦乐六重奏，以及这里我们提到的无伴奏大提琴。大提琴在这里回到了重复低鸣，单纯重复的乐句，逐渐摆脱高昂与绚烂技巧的束缚，引领我们回到内心最深层的那一块宁静角落。
如果担心作品太过前卫，或许可以先从具有「强烈民族风格」的作品开始欣赏，像是Kodály的匈牙利民族风、Cassadó的西班牙风情、黛敏郎的日本三味线感受。随着时间推移，一个乐器的创作技巧竟然有如此巨大的改变，如果巴赫生在这个时代，又将带来什么革命呢？又或者，在我们有生之年，还能听到原音乐器作出怎样的创新呢？
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