大提琴屋 学习心得 如何充分利用大提琴音阶

如何充分利用大提琴音阶

音阶构成了大提琴音乐中很多重要的部分,因此在弓速、弓分布和弓的选择方面,它们依赖于创造性的思维。添加音乐表现力和动态控制,更丰富的指法方法,以及尽量减少弦交叉和可听变化的承诺,音阶可以成为练习和表演的强大灵感来源。

如何充分利用大提琴音阶
如何充分利用大提琴音阶

一些音乐家将音阶当作纯粹的热身,这是一个错误的想法。甚至在开始弹奏之前,你应该适当地热身,以便用平衡的左手执行伸展姿势和双停,并用可以响应与弦的各种接触的弓演奏交叉弦,热身使我们能够充分发挥我们的潜力,并且应该先于任何需要音乐表达的事物,例如音阶。

当你热身后,你可能会拿到一本量表来指导你的练习。不幸的是,大多数关于大提琴音阶的书籍已经过时,并且基于19世纪关于如何在指板上进行操作的想法。古老的卡萨尔斯学派似乎是关于如何在避免困难的同时绕过乐器,并使用尽可能短的班次。因此,演奏大提琴成为一种基于恐惧的练习,而不是充满勇气的音乐冒险(将示例1中安全、保守的指法与可以取代它们的华丽、大胆的指法进行比较)。

例1图
例1图
示例图2
示例图2

卡萨尔斯的朋友、作曲家和音乐学家唐纳德托维说,每一种乐器都有一种风格,鼓励那些没有真正音乐感的习惯,但很容易被认为是“自然的”。对于大提琴来说尤其如此。但如果我们同意有三种乐器在技术上优于我们——人声、钢琴和小提琴——我们可以将它们作为我们所做一切的参考点,包括我们得出的技术解决方案。我们甚至可以将我们的解释与他们的解释进行比较,只是为了检查我们的艺术选择不是基于我们认为对我们的乐器来说是“自然”的。一个典型的例子是儒勒·德尔萨特(Jules Delsart)1888年为弗兰克(Franck)的《大提琴奏鸣曲》改编的大提琴编曲。Delsart的版本避免了许多令人兴奋的技术挑战。

我在茱莉亚音乐学院的第一堂课上,我的老师伦纳德·罗斯很随意地说:“你会从你的小提琴家朋友那里学到和我一样多的东西。”很明显,他想让我寻找一种更好的乐器。伏尔泰在听过大提琴家让-路易·杜波特演奏后对他的著名讽刺——“你让我相信奇迹:你知道如何用牛制作夜莺”——暗示大提琴被认为是缓慢而笨拙的。

这就是卡萨尔斯介入的地方。他通过引入小提琴技术元素使大提琴演奏现代化。他的表现音调原则概述了音阶内每个音符的和声功能,使大提琴能够带出乐谱的垂直结构(或和声)——例如,演奏巴赫组曲时,低音线所在的位置是金矿隐。随着拉伸或延伸技术的引入,卡萨尔斯创造了一种更短指板的错觉:他有效地使乐器变小了。他的新想法有助于最大限度地减少甚至在某些情况下消除转变(参见示例3)。

示例图3
示例图3

不属于解释的变化,以清晰或优美的滑音形式,不能被听到。如果您在身体上无法拉伸,例如在第一位置拉伸一个八度,那么请尝试尽可能多地拉伸。您可以做出的任何努力都会缩短大提琴的琴颈,从而降低动作的可听性。但是,拉伸会影响手的平衡,从而影响颤音,因此您需要对音符的美感(或美感的丧失)保持警惕并相应地确定优先级。

最小化串线交叉是另一种让您的演奏看起来轻松同时节省时间的方法。(参见示例4)

示例4
示例4

听众不应该觉得我们演奏的是一种笨拙的大乐器——伏尔泰的牛是我们最喜欢的动物——事实上,我们不仅可以演奏向下的弓和向上的弓,还可以演奏出优美的线条。注意你的右臂,注意哪些动作会造成延迟,使弦乐交叉听起来费力且缺乏方向。您可以通过监控弓弦和弓毛之间的间隙来轻松减少交叉线。进行交叉实际上并不需要太多,间隙会指明方向:关闭间隙,并最小化串线交叉。非常适合跨越四根弦的音阶!

在练习音阶时,弓臂的重要性不应被低估。对弓的承诺给出了音阶方向和脉搏,将我们的注意力转移到它的声音上,并远离通常被认为更困难的区域:左手。如果你专注于你的左手,你可能会因为随意改变弓形而失去脉搏,或者只是因为强大而勇敢的动力而后退。在耳朵不特别希望检测到低信度的区域失去蒸汽会影响音调,并且用完弓对表演者和听众来说都一样不舒服。如何保存弓,或者决定一个音符是否需要比另一个更多的弓以不断控制音阶,是音阶练习的重要组成部分。

坚定的弓意味着音阶永远不会在音乐上“关闭”。添加音乐表达将确保音阶听起来永远不会静止或可预测。弓的行程不仅仅意味着从弓形到弓尖的移动:考虑弓毛和弓弦本身之间的垂直运动控制弓形运动的这一方面将为每个音符提供更大的变化以及无限的特征它的开始-攻击。凭借不断聆听和不断调整的耳朵,您将永远不会弹奏弓形笔触的音阶,这些音阶可以被描述为擦洗、刷洗或锯切。

让我们回到原材料——页面上的注释。如果大多数可用的量表书都有缺陷,我们应该在现代方法中寻找什么?我相信我们需要一些东西以新的眼光解决旧问题,并阻止我们继续自动驾驶。标准音阶可以通过多种不同的方式练习,并且它们的格式可以不同,因此您可能需要一些额外的时间来识别键并熟悉新的形状。在The Jazz Theory Book中,钢琴家Mark Levine说练习音阶的目标是让自己从多年的根基偏向性条件反射中解脱出来。他令人耳目一新的想法是摒弃了C大调音阶必须以C开头和结尾的概念。它也可以从D或属于C大调的任何其他音符开始。(见例5)

例5
例5

自然,这适用于琶音、三度或我们在音阶书中找到的任何音阶。天平也不必从底部开始。确实,从顶部开始会消除秤的熟悉感觉,即开始容易,结束困难。通过扭转它,我们可能会在顶部感到最放松。音阶的图形重新排列起初会令人困惑,即使它使我们的练习选项增加了十倍。但随着时间的推移,对新形状的熟悉会澄清、启发和启发。

除了拒绝根音偏向调节外,我们还需要彻底修改传统的6度指法,这根本行不通。它在纸上看起来可能不错,但是从大六度到小六度的每一次变化都是可以听到的,从艺术上讲,您无法添加或塑造任何东西。例如,连奏是不可能的。反对改进的、现代化的指法(小六度的食指和中指,大六度的食指和中指)的直接论点是,您需要为每个班次移动手臂。但是当你习惯它并发展你的肌肉记忆时,这种新的指法(见例6)感觉很舒服,突然间,演奏6th变成了一种抒情的事情。

任何新的音阶书也应该作为紧急事项解决拨弦的艺术概念。尽管它经常使用,但很少被检查或教授。应该是耳朵决定哪根手指发出最优美、最圆、最短或最重的拨弦声(见例7)。

例7图
例7图

例如,一个圆形的拨片可能需要的不仅仅是食指的指尖才能突出,当耳朵听到它时,很可能除了拇指之外,人们可能永远不会用任何手指弹奏拨片。当然,速度通常决定指法,但无论选择什么,都应该出于艺术原因。

每个音阶的完整指法系统否定了旧的信念,即C大调比C升大调容易,或者降E小调比E小调更难。由于系统的完美组织和纪律,所有音阶都遵循相同的原则,可以立即识别琴键及其指法。很多东西最终都会依赖于肌肉记忆,所以最终你会发现自己更忙于钻研肌肉记忆而不是音符。哲学家弗里德里希·施莱格尔警告说:“有系统和没有系统对于头脑来说同样是致命的。必须尝试将它们结合起来。这种态度促进了灵活的头脑,是朝着释放想象力迈出的一大步,但只有当我首先获得一个系统时,我才会感兴趣。

总之还是希望大家能够好好的练习大提琴音阶,音阶是音乐会音乐的重要组成部分,因此它们必须配得上音乐厅。表演主要是听,但它也关乎观看。在舞台上,指法不能与适合大提琴的东西或“安全”的东西有任何关系。勇敢、绚丽的指法,基于投射而不是走捷径,使乐器听起来开放而自由。而且它们看起来很令人兴奋。归根结底,音乐的表达必须支配智力、音阶系统与否,观众总是对温暖做出反应。

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作者: Mr Blues

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